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Otras 10 grandes citas para entender el sentido de la fotografía

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Foto: Ernst Haas
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MAR 2016

La fotografía es un lenguaje visual capaz de sugerir ideas y sentimientos a los que no alcanza la palabra. Sin embargo, a veces esta es necesaria para hablar –precisamente- de la fotografía. Además de excelentes imágenes, grandes fotógrafos nos han brindado reflexiones que ayudan a comprender su filosofía de trabajo, su visión del medio e incluso su propia ética. He aquí una decena de remarcables citas que abordan distintos aspectos de la fotografía y que añadimos a las que ya recuperamos en su día.

"Hay una tarea que debe hacerse: registrar la verdad. ¡Quiero despertar a la gente!" James Nachtwey

Foto: James Nachtwey

Uno de los más grandes e influyentes reporteros de las últimas décadas, James Nachtwey ha fotografiado muchos de los conflictos bélicos y desastres humanitarios más importantes de nuestros tiempos. Delante de su cámara se han sucedido infinidad de violaciones de derechos humanos que sin él simplemente habrían sido ignoradas.

Esta frase resume a la perfección el compromiso con la tarea de dar voz a quienes no la tienen y día a día sufren las penurias de un mundo desigual. Y complementa perfectamente a una de sus citas más celebres, con la que nos da la bienvenida a su página web: "He sido un testigo y estas fotografías son mi testimonio. Los eventos que he registrado no deben ser olvidados y no han de repetirse."

"En fotografía no se inventa nada: se repasan cosas ya hechas anteriormente" Franco Pagetti

Foto: Franco Pagetti

El fotoperiodista italiano de la agencia VII Photo se sinceraba así en la entrevista que concedía a este medio en su estudio de Milán en 2012 mientras hacía referencia a su trabajo "Survivors". En él aparecen retratados los habitantes del barrio bagdadí de Karrada frente a un fondo negro que los descontextualizaba. Una idea que, como el propio Pagetti recordaba, provenía de las fotografías que August Sander tomó en los años 30 del pasado siglo a trabajadores alemanes.

La importancia de esta frase es doble: mientras por una parte nos recuerda que, tras más de un siglo de fotografía, parece estar todo inventado y todos los puntos de vista ya han sido explorados, por otra sigue quedando espacio para la reutilización de aquellos patrones útiles según cada trabajo.

"Solo estáis tú y tu cámara. Los límites en la fotografía están en ti mismo, porque lo que vemos es lo que somos" Ernst Haas

Foto: Ernst Haas

El austriaco Ernst Haas fue uno de los pioneros de la fotografía en color y un auténtico innovador explorando sus capacidades expresivas. Es por ello que, al hablar de límites en la fotografía, los llevó un paso más allá. No en vano se anticipó 14 años a la muestra "Color Photographs by William Eggleston" de 1976 en el MoMA de Nueva York.

Pero lo realmente interesante de esta cita es que Haas sitúa esos límites en uno mismo, en la capacidad de ver -y por tanto de fotografiar- del autor. Es casi una frase digna de un tratado de psicología, ya que supedita el acto fotográfico al carácter del fotógrafo. Haas parece insinuar que el filtro personal con el que vemos el mundo tiene que ver más con nuestro inconsciente que con nuestras intenciones conscientes en cada fotografía.

"A través de mis fotografías puedo hablar de manera más intrincada y profunda que a través de las palabras" Richard Avedon

Foto: Richard Avedon

Por si a alguien le quedaba alguna duda de que el lenguaje fotográfico es único y diferente a otros medios de expresión, Richard Avedon lo comparó con la propia palabra. Hablamos nada menos del fotógrafo que dio forma al género del retrato de celebridades y que ayudó a revolucionar la fotografía de moda.

Esta afirmación cobra todo el sentido si se tiene en cuenta su trabajo "In The American West", una de las series de retratos más memorables de Estados Unidos. Resulta complicado enfrentar las miradas de los personajes humildes y anónimos que retrató en la primera mitad de los 80 y describirlas con palabras. Avedon encontraba así en la fotografía su modo de expresión más poderoso.

"Las fotografías lo contienen todo. Para mí son historias" Ryszard Kapuscinski

Foto: Ryszard Kapuscinski

Además de ser uno de los periodistas más importantes de la segunda mitad del siglo XX y principios de este, Ryszard Kapuscinski también sintió la llamada de la fotografía. Aunque la calidad y notoriedad que alcanzó con el periodismo gráfico no se acercan ni de lejos al reconocimiento obtenido por su literatura, no hay que olvidar que el polaco fotografiaba habitualmente en sus viajes, que ha publicado varios libros de fotos y que usaba las imágenes a modo de anotaciones, como queda patente en su obra sobre la revolución iraní "El Sha o la desmesura del poder".

Esas historias contenidas en las fotografías le sirven a Kapuscinski para elaborar parte de su guion en dicho libro. De la misma forma que tomaba anotaciones de lo que veía y la gente con la que hablaba, sus fotografías -que demuestran lo capaz que era de meterse de lleno en un mundo del que era un auténtico extraño- complementan la información de los convulsos eventos que vivió, sobre todo en África.

"Si se quiere hacer un trabajo personal que nos deje convencidos, uno tiene que trabajar sobre aquello que más le importa. Para dar lo mejor de nosotros mismos tenemos que escuchar nuestras obsesiones" José Manuel Navia

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Foto: José Manuel Navia

Al margen de los encargos y trabajos habituales que todo fotógrafo lleva a cabo, muchos emprenden proyectos personales paralelos. Cuando estos nacen de la obsesión interior, de la necesidad de contar una historia que interesa y apasiona realmente al autor, el resultado será siempre más satisfactorio.

Así lo apuntaba José Manuel Navia en una charla mantenida con Quesabesde sobre su último trabajo: "Miguel Cervantes o el deseo de vivir". El fotógrafo madrileño hablaba de su interés por la vida del escritor, por su literatura y los viajes, hasta el punto de plasmar esa obsesión en sus fotografías.

"La fotografía no puede evolucionar imitando a otros medios. Tiene que encontrar su propio camino, tiene que ser ella misma" Berenice Abbott

Foto: Berenice Abbott

Nacida en 1898 en Estados Unidos, Berenice Abbott se inició en la poesía y la escultura antes de conocer a Man Ray, a quien asistió en el laboratorio en 1923. A partir de ahí la fotografía la absorbió. En los años 30 fotografió "Changing New York", un trabajo que plasma el ambiente urbano de la gran metrópoli con un estilo a medio camino entre el pictorialismo y la fotografía documental.

Abbott hizo estas afirmaciones en una entrevista concedida en 1951. La fotografía ya había dado claras muestras de diferenciación con la pintura tanto en lo formal como en su contenido. Desde entonces parece haber encontrado ese camino, sustentándose por sí misma como un arte y sobre todo como la herramienta perfecta que es para contar historias.

"Jamás prives a tu sujeto de su dignidad" Bernie Boston

Foto: Bernie Boston

Sucinta y contundente, esta frase de Bernie Boston resume con claridad una de las máximas de la fotografía documental y el fotoperiodismo: el respeto al sujeto y a su dignidad como ser humano es más una necesidad que una obligación que nace de la empatía hacia las personas con las que muchos fotoperiodistas trabajan y que por lo general están en alguna situación de desventaja.

Boston desarrolló gran parte de su carrera como fotoperiodista en Washington DC, donde cubrió la vida política de la capital y fotografió a todos los presidentes estadounidenses desde Truman hasta Clinton. En octubre de 1967 realizó una foto muy similar a la famosa instantánea de Marc Riboud de la marcha hacia el Pentágono, con manifestantes colocando flores en los rifles de los soldados que les bloqueaban el paso.

"Si supiese cómo tomar una buena foto, lo haría siempre" Robert Doisneau

Foto: Robert Doisneau

Uno de los grandes nombres de la fotografía reconociendo la dificultad que entraña el medio. Muchos fotógrafos han hablado sobre las virtudes de toda buena instantánea y lo que las diferencia de otras mediocres. Sin embargo, Robert Doisneau dejó bien claro con esta frase que no existen fórmulas mágicas para obtener buenas fotos ni caminos directos que lleven a ellas.

Ansel Adams expresó lo mismo con otras palabras: "12 fotografías al año es una buena cosecha." Ambos comentarios pueden llevar a pensar que es necesario fotografiar mucho para conseguir buenas fotografías. Sin ir más lejos, las 83 fotografías que componen "The Americans", de Robert Frank, son el resultado de una edición de casi 30.000 negativos que este autor tomó a mediados de la década de los 50.

"¡No se toca! Yo no molesto, no me meto y no escenifico lo que fotografío" Dorothea Lange

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Foto: Dorothea Lange

La autora del famoso retrato de Florence Owens Thompson -el rostro de la recesión económica de los años 30 en Estados Unidos- con dos de sus retoños hablaba claro sobre su concepto de lo que tenía que ser una fotografía. Dorothea Lange rechazaba cualquier tipo de manipulación o montaje en la escena que ayudase a darle dramatismo a una fotografía.

Pura inspiración para Jean-François Leroy y dogma para los puristas, esta frase resume muy bien las exigencias del fotoperiodismo actual en aras de mantener ciertos criterios de veracidad. Sin embargo, esta concepción genera roces con ciertos aspectos de la fotografía documental y más aún con el ensayo fotográfico (basta recordar las fotografías que hizo Eugene Smith en Deleitosa). Otros autores como Arnold Newman ("el fotógrafo ha de ser parte de la fotografía") rechazaron esta teoría por completo.

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